Dave Mason, Foo Fighters, Plini y la semana en que el rock volvió a
discutir su memoria
Archivo activo, legado eléctrico y presente amplificado
En síntesis
La semana del 20 al 26 de abril de 2026 dejó una imagen nítida: una corriente eléctrica atravesando un archivo. El rock, el blues-rock y el progresivo no aparecieron como géneros cerrados, sino como lenguajes obligados a negociar con su propia memoria. Hubo despedidas, discos nuevos, relecturas documentales, tributos en directo, canonización institucional y canciones que volvieron a plantear una pregunta básica: qué sigue vivo cuando una música cargada de historia vuelve a sonar en presente.
El fallecimiento de Dave Mason marcó la dimensión memorial de la semana. Foo Fighters situaron Your Favorite Toy en el centro informativo, aunque todavía conviene tratarlo como noticia central antes que como reseña definitiva. Plini confirmó con An Unnameable Desire una vía progresiva instrumental de gran refinamiento. Muse activaron una nueva fase con “Cryogen”. La BBC Proms incorporó un programa dedicado al rock progresivo británico. Joe Bonamassa, Rory Gallagher, Gregg Allman, When Rivers Meet, Beth Hart, John Corabi y Devin Townsend completaron un mapa donde actualidad y archivo no se oponen: se contaminan.
La tesis de la semana es clara: el pasado pesa, pero no como ancla. Pesa como método de escucha.
1. Dave Mason: el músico de cruce que explica una época
Dave Mason falleció el 19 de abril de 2026 en Gardnerville, Nevada, a los 79 años. La noticia lo devolvió de inmediato al lugar que ocupa en la memoria del rock: cofundador de Traffic, autor de “Feelin’ Alright?” y “Hole in My Shoe”, colaborador de figuras mayores y músico capaz de moverse entre banda, estudio, sesión, canción propia y repertorio ajeno sin quedar reducido a una sola imagen pública. La causa concreta de muerte no fue comunicada inicialmente de manera cerrada, de modo que cualquier lectura rigurosa debe evitar la tentación de convertir una información incompleta en diagnóstico.
Mason importa porque no encaja del todo en el modelo más cómodo del rock clásico. No fue el guitarrista heroico absoluto, ni el frontman total, ni el compositor convertido en mito único. Fue otra cosa: un músico de cruce. Traffic, desde 1967, condensó una zona muy fértil del rock británico: psicodelia, folk, blues, jazz, soul blanco y estudio entendido como laboratorio. Mason entraba y salía de ese organismo con una relación inestable, pero su huella resulta difícil de borrar. “Feelin’ Alright?” terminó funcionando como una pieza abierta, reapropiable, capaz de viajar entre rock, soul, pop y blues sin perder estructura.
Esa es la razón por la que su muerte no debe tratarse solo como necrológica. Mason permite hablar de una forma de hacer rock menos monumental y más porosa: músicos que componían, tocaban, colaboraban, grababan, abandonaban una banda, entraban en otra sesión y ayudaban a construir el vocabulario de una época sin convertir cada gesto en autobiografía épica. Su importancia está en la elasticidad. La memoria del rock suele privilegiar las figuras totémicas; Mason obliga a mirar también a quienes hicieron circular los lenguajes.
2. Foo Fighters: noticia central, reseña en espera
Foo Fighters publicaron Your Favorite Toy el 24 de abril vía Roswell/RCA. El dato editorial más relevante no es solo la salida del disco, sino la prudencia con la que conviene leerlo. La información de lanzamiento lo presenta como un álbum grabado en casa, coproducido por Foo Fighters y Oliver Roman, mezclado por Mark “Spike” Stent y articulado en diez cortes: “Caught In The Echo”, “Of All People”, “Window”, “Your Favorite Toy”, “If You Only Knew”, “Spit Shine”, “Unconditional”, “Child Actor”, “Amen, Caveman” y “Asking For A Friend”.
El disco debe ocupar el centro informativo de la semana, pero no conviene cerrarlo todavía como sentencia crítica. La primera recepción apunta a una tensión interesante: regreso energético, voluntad de impacto físico y una agresividad que parece responder al cansancio emocional acumulado tras But Here We Are. Lo importante, para una lectura NovoRiff, no es proclamar inmediatamente si Foo Fighters han regresado a su versión más dura, sino medir si ese impulso tiene verdadera consistencia de canción.
Ahí está el criterio. “Caught In The Echo” funciona como entrada física al disco: guitarras frontales, golpe de banda y voluntad de recuperar inmediatez. “Of All People”, en cambio, permite escuchar otro ángulo: si la rabia se organiza o si queda reducida a reflejo. El problema de Foo Fighters en esta fase no es la energía; es la traducción de esa energía en material duradero. Una banda de estadio puede sonar urgente durante una semana de lanzamiento. Lo difícil es que esas canciones sobrevivan a la campaña, a la biografía y a la escala masiva del directo.
La decisión editorial recomendable es clara: Your Favorite Toy merece posición central, pero no reseña definitiva inmediata. Primero noticia, después escucha reposada. El disco pide una segunda lectura cuando se enfrente al tiempo real del repertorio.
3. El prog entra en los Proms: canonización o domesticación
La BBC Proms 2026 incorporará Prog Rock: A Fanfare for the Common Man, programado para el 18 de julio en el Royal Albert Hall. El programa aparece asociado a arreglos orquestales de repertorio de Emerson, Lake & Palmer, Genesis, Jethro Tull, Mike Oldfield, Renaissance y otros nombres clave del progresivo británico. No es una anécdota de programación: es uno de los hechos culturales más fértiles de la semana.
El progresivo nació, en buena medida, de una tensión permanente con la alta cultura. Tomó elementos de la música clásica, el jazz, la literatura, la música antigua, el teatro, la ciencia ficción, la mitología, la tecnología de estudio y los formatos extendidos, pero los reinsertó en el campo eléctrico de la cultura juvenil. Esa operación explica tanto su grandeza como los reproches que recibió durante décadas. Para sus defensores, el prog ampliaba el vocabulario del rock; para buena parte de la crítica anti-prog, lo hinchaba hasta convertirlo en aparato grandilocuente.
Por eso su entrada en un marco institucional como los Proms debe leerse con doble filo. Por un lado, hay canonización: una música ridiculizada durante años como excesiva, pretenciosa o hipertrofiada entra en un espacio de legitimidad formal. Por otro, hay riesgo de domesticación: convertir el prog en “rock con orquesta”, suavizar su incomodidad, reducirlo a fanfarria patrimonial y olvidar que su valor estaba precisamente en la tensión entre virtuosismo, riesgo, teatralidad y cultura popular.
La cuestión no es si el prog merece estar en los Proms. La cuestión es qué prog llega allí. Si llega solo la superficie sinfónica, el género queda reducido a museo de arreglos. Si llega también su conflicto —la ambición, el exceso, la inteligencia estructural, el mal gusto ocasional, la teatralidad, la violencia eléctrica bajo el barniz culto—, entonces el gesto tiene interés real. El rock progresivo no fue grande porque quisiera parecer música clásica; fue importante porque obligó al rock a pensar en larga duración, forma, textura, concepto y arquitectura.
4. Plini: guitarra post-virtuosa
Plini publicó digitalmente An Unnameable Desire el 24 de abril. Su secuencia de diez cortes —“Dorénavant”, “An Unnameable Desire”, “Ciel”, “Canyon”, “Now & Then”, “Manala”, “Vespertine”, “Ruin”, “After Everything” y “The Time Will Pass Anyway”— permite hablar de una guitarra progresiva posterior al narcisismo técnico. No porque elimine el virtuosismo, sino porque lo redistribuye.
En una semana dominada por la tensión entre legado y presente, Plini representa la vía más contemporánea. No mira hacia el archivo para imitarlo; asume que el rock instrumental solo puede seguir vivo si trabaja composición, timbre, dinámica y forma. An Unnameable Desire no se escucha como catálogo de recursos, sino como arquitectura sensible.
La expresión “guitarra post-virtuosa” resulta útil porque desplaza el foco. No se trata de negar la técnica, sino de negar su tiranía. El virtuosismo deja de ser finalidad y se convierte en herramienta. En ese cambio de función hay una lección para buena parte del progresivo contemporáneo: la dificultad solo importa cuando produce emoción, tensión o diseño.
5. Muse: el riff como artefacto cósmico
Muse publicaron “Cryogen” como nuevo adelanto de The Wow! Signal, su décimo álbum de estudio, previsto para el 26 de junio a través de Warner/Helium 3. La cobertura especializada vinculó la canción con los riffs espirales de su etapa temprana, apuntando afinidades con piezas como “Plug In Baby” y “Knights Of Cydonia”.
La clave está en que Muse funcionan mejor cuando el exceso tiene dirección. Sus momentos menos logrados suelen aparecer cuando el concepto devora la canción o cuando la épica se vuelve puramente decorativa. En “Cryogen”, al menos como single, el interés está en la reactivación de códigos propios: ansiedad tecnológica, ciencia ficción emocional, riff amplio y sentido de espectáculo.
Para la playlist semanal debe ocupar la apertura. Es el corte con mayor capacidad de impacto inmediato y condensa muy bien la tesis general: una banda con archivo propio intenta reactivar sus señales sin quedar reducida a autoparodia. Muse no están dialogando con el archivo del rock clásico, sino con su propio archivo interno. Esa operación también cuenta.
6. Blues-rock: R. Gallagher, J. Bonamassa y G. Allman ante el archivo vivo
El blues-rock concentró durante la semana una de las zonas más fértiles del informe. No por acumulación de lanzamientos, sino por la forma en que varios nombres obligan a pensar qué ocurre cuando una tradición basada en electricidad, directo y herida personal entra en fase de relectura. Rory Gallagher reaparece a través del tributo de Joe Bonamassa; Gregg Allman vuelve al centro mediante el documental Gregg Allman: The Music of My Soul; When Rivers Meet y Beth Hart muestran que el blues-rock contemporáneo sigue produciendo relatos de independencia, voz y tensión emocional.
La cuestión de fondo no es solo musical. Es histórica. El blues-rock lleva décadas viviendo entre dos fuerzas contrarias: la necesidad de conservar una raíz —fraseo, tono, aspereza, relato del camino, voz herida— y el peligro de convertirse en museo de sí mismo. Cada generación de guitarristas, cantantes y bandas debe responder a una pregunta incómoda: cómo tocar una música cargada de pasado sin reducirla a reproducción estilística.
6.1. Rory Gallagher según Bonamassa: homenaje, museo o electricidad viva
Gallagher no fue solo un guitarrista importante. Fue una forma de estar en el escenario. Su música estaba construida sobre una electricidad física, casi artesanal, donde la imperfección controlada formaba parte del lenguaje. En Gallagher, el blues-rock no sonaba a objeto de lujo, sino a carretera, sudor, amplificador exigido, fraseo urgente y relación directa con el público. Su imaginario no necesitaba mitología grandilocuente porque ya estaba contenido en el sonido: ataque, rugosidad, honestidad frontal y resistencia al barniz excesivo.
La elección de “Tattoo’d Lady” es significativa. No es una pieza neutra dentro del repertorio de Gallagher. Es una canción con mundo propio: músico itinerante, memoria de feria, vida de carretera, personaje y desgaste. No es solo un vehículo para solos; es una escena. Ahí Bonamassa debe demostrar algo más difícil que velocidad o precisión: debe entender el relato interno de la canción.
El hecho de que el proyecto se articule desde Cork añade densidad simbólica. Cork funciona como geografía emocional, no como simple localización. Sitúa el homenaje dentro de una comunidad de recuerdo y obliga a medir el tributo con otro criterio: no basta con que la interpretación sea eficaz; debe parecer necesaria.
La pregunta editorial para NovoRiff sería esta: ¿Bonamassa consigue devolver a Gallagher al presente o lo convierte en una pieza de museo perfectamente iluminada? La respuesta definitiva exige escuchar el álbum y ver la película completa. De momento, el adelanto permite formular el eje crítico: si la interpretación conserva rugosidad, tensión y sensación de riesgo, el homenaje puede tener valor real; si se impone el acabado impecable por encima de la herida original, el resultado puede quedar atrapado en el museo blues-rock.
6.2. Gregg Allman y la espiritualidad quebrada del southern rock
El caso de Gregg Allman abre otra lectura. Si Gallagher obliga a pensar la autenticidad del blues-rock eléctrico, Allman obliga a revisar el southern rock más allá de sus clichés habituales. Durante demasiado tiempo, parte de la memoria popular ha reducido el southern rock a guitarras gemelas, carretera, orgullo regional e iconografía sureña problemática. Esa lectura es insuficiente. En Gregg Allman hay blues, soul, gospel, órgano, voz rota, tragedia familiar, adicción, redención y una concepción de la banda como organismo espiritual e improvisador.
La clave está en entender que The Allman Brothers Band no nacieron únicamente de la voluntad de endurecer el blues o expandir el rock con improvisación. La banda surgió de una mezcla cultural profunda: blues afroamericano, soul sureño, gospel, jazz, country, psicodelia, jam band y disciplina instrumental. No funcionaba como acompañamiento de un cantante ni como escaparate de guitarristas, sino como un cuerpo colectivo. En su mejor versión, los Allman no “tocaban canciones”: abrían espacios de circulación entre voces, guitarras, órgano, bajo y batería.
Gregg representa el centro vocal y espiritual de esa arquitectura. Duane Allman suele ocupar el lugar mítico del genio guitarrístico perdido, y con razón; pero Gregg aporta la continuidad emocional. Su voz conectaba la sofisticación instrumental de la banda con un sustrato humano reconocible. Sin esa voz, el southern rock de los Allman podría haber quedado más cerca de la exhibición instrumental. Con ella, se convirtió en experiencia de pérdida, deseo, cansancio y búsqueda.
La expresión “espiritualidad quebrada” evita dos extremos. No convierte a Allman en santo laico ni reduce su historia a autodestrucción romántica. Señala una tensión: la de un músico marcado por pérdida, exceso y fragilidad, pero capaz de convertir esa biografía dañada en una forma de verdad sonora. Esa verdad no es pura ni edificante; está rota. Precisamente por eso resulta poderosa.
6.3. When Rivers Meet y Beth Hart: el blues-rock no vive solo de homenajes
La semana no debe quedar reducida al pasado. When Rivers Meet y Beth Hart recuerdan que el blues-rock contemporáneo sigue activo, aunque trabaje bajo el peso de su genealogía. “The Script” funciona porque no depende solo del gesto vintage. Hay blues en la tensión emocional, en la electricidad contenida y en la afirmación de independencia, pero también hay una sensibilidad moderna, cercana al alt-rock en algunos acentos y menos pendiente de reproducir ortodoxias.
Beth Hart ocupa otro lugar: el de la voz confesional que cruza blues, soul, rock y balada intensa. El anuncio de la edición deluxe de You Still Got Me no es el acontecimiento principal de la semana, pero confirma la persistencia de un circuito donde el blues-rock se sostiene tanto por guitarristas como por intérpretes vocales de gran carga emocional. Hart no necesita ser presentada como purista; su fuerza está precisamente en la contaminación de lenguajes.
Esta combinación —Gallagher relecturado por Bonamassa, Allman revisitado por el documental, When Rivers Meet como presente independiente y Beth Hart como continuidad vocal— permite ver el blues-rock de la semana como un sistema completo. Hay archivo, homenaje, riesgo de museo, reactivación documental y presente creativo. El género no aparece muerto, pero sí obligado a justificar cada gesto. Ya no basta con sonar “auténtico”; hay que demostrar que esa autenticidad no es una pose heredada.
7. John Corabi y Devin Townsend: dos bordes del mapa
Corabi interesa porque durante décadas ha sido una voz asociada a contextos ajenos: Mötley Crüe, The Scream, Union, The Dead Daisies. New Day desplaza el foco hacia su identidad propia como cantante y escritor. “1969” funciona bien como single de playlist: memoria generacional, hard rock de raíz clásica y una voz que conserva autoridad cuando se acerca al soul y al blues. No es una revolución estética, pero sí una reubicación significativa: un vocalista de oficio reclamando centro narrativo.
Playlist NovoRiff — Semana 20–26 abril 2026
“Archivo activo: legado eléctrico y presente en transición”
Esta playlist no está pensada como una simple recopilación de canciones aparecidas o citadas durante la semana. Está construida como un recorrido editorial: una forma de escuchar la tesis del informe. La semana ha mostrado un rock atravesado por su propio archivo: Dave Mason, Rory Gallagher, Gregg Allman, Roy Orbison, ELP, Genesis o Jethro Tull no aparecen como nombres inmóviles del pasado, sino como materiales vivos que el presente vuelve a activar, reinterpretar o discutir. Frente a ellos, Muse, Foo Fighters, Plini, When Rivers Meet, John Corabi o Devin Townsend representan distintas maneras de seguir trabajando con guitarras, voces heridas, arreglos largos y electricidad amplificada sin fingir una falsa juventud del género.
El orden, por tanto, importa. La playlist empieza con el presente eléctrico: canciones recientes que muestran cómo el rock contemporáneo sigue buscando impacto, densidad y lenguaje propio. Después entra en el blues-rock contemporáneo, donde la raíz ya no funciona solo como tradición, sino como tensión emocional y afirmación de independencia. La tercera parte desciende al archivo activo, con canciones que explican por qué el pasado de la semana sigue siendo necesario para leer el presente. Finalmente, el cierre progresivo y de directo abre el campo hacia la gran forma, la teatralidad, el repertorio sinfónico y la memoria del escenario.
La escucha ideal no es fragmentaria. Conviene recorrerla de principio a fin, como si fuera una doble sesión de radio o un programa de autor: primero el golpe, luego la raíz, después la memoria, y al final la expansión. Ese arco resume el espíritu de la semana: el rock sigue importando cuando acepta su historia sin dejar de sonar amplificado.
Cara A — Presente eléctrico
1. Muse — “Cryogen”
“Cryogen” abre la playlist porque resume muy bien la dimensión más inmediata de la semana: riff, dramatismo, energía espacial y vocación de gran formato. Muse vuelven aquí a una de sus zonas más reconocibles: convertir una figura de guitarra en mecanismo narrativo, casi como si el riff fuese una máquina escénica. No hay una ruptura radical con su lenguaje, sino una reactivación de sus mejores códigos: tensión futurista, pulso físico, teatralidad y ese punto de exceso que la banda maneja mejor cuando no se disuelve en concepto. Como apertura, funciona porque lanza el informe hacia el presente.
2. Foo Fighters — “Caught In The Echo”
“Caught In The Echo” representa el lado más corporal de Your Favorite Toy. En la playlist funciona como entrada directa al disco sin necesidad de convertir el informe semanal en una reseña definitiva. La canción permite leer a Foo Fighters desde la energía de banda: guitarras frontales, impulso físico, sensación de regreso al golpe eléctrico y una voluntad clara de recuperar inmediatez. No interesa aquí como revolución estética, sino como síntoma: una banda de gran escala que necesita volver a sonar urgente. Su papel en la lista es abrir el bloque Foo Fighters desde el músculo, no desde la explicación biográfica.
3. Foo Fighters — “Of All People”
“Of All People” equilibra la entrada anterior porque permite escuchar Your Favorite Toy desde un ángulo más compositivo. Si “Caught In The Echo” funciona como descarga, esta pieza ayuda a medir si el disco contiene algo más que reacción física. En la playlist cumple una función importante: mostrar que Foo Fighters no deben ser leídos solo desde la rabia o la energía, sino también desde su capacidad para sostener canción. Ahí está la pregunta crítica del álbum: si su impulso eléctrico se traduce en material duradero o si queda demasiado ligado al contexto emocional de la banda. Este corte permite hacer esa prueba.
4. Plini — “After Everything”
“After Everything” introduce el primer desplazamiento hacia la escucha analítica. Después del bloque más directo de Muse y Foo Fighters, Plini obliga a cambiar la atención: ya no se trata solo de impacto, sino de arquitectura. La guitarra no aparece como exhibición continua, sino como voz dentro de un sistema más amplio de timbres, capas y dinámicas. La canción tiene valor porque permite explicar una idea central para NovoRiff: la técnica puede ser intensa sin ser narcisista. Plini no renuncia al virtuosismo, pero lo integra en una escritura más coral. Por eso funciona como puente hacia el progresivo contemporáneo.
5. Plini — “An Unnameable Desire”
La inclusión de “An Unnameable Desire” refuerza la idea de que Plini debe escucharse como álbum, no solo como selección de cortes aislados. Este tema ayuda a fijar la identidad del disco: melodía amplia, refinamiento armónico, precisión instrumental y un sentido del espacio que evita la saturación habitual de cierta guitarra técnica. En la playlist, su función es consolidar la etiqueta de “guitarra post-virtuosa”: una guitarra que conserva complejidad, pero no necesita demostrarlo todo en cada compás. Es un cierre perfecto para la primera cara porque deja el presente eléctrico abierto hacia una zona más compositiva y sofisticada.
Cara B — Blues-rock contemporáneo
6. When Rivers Meet — “The Script”
“The Script” abre el bloque blues-rock contemporáneo porque desplaza la raíz hacia un presente de resistencia e independencia. When Rivers Meet no trabajan el blues-rock como museo de riffs vintage, sino como lenguaje emocional todavía útil: electricidad contenida, tensión vocal, pulso moderno y una sensación de afirmación frente al desgaste. La canción encaja muy bien en la tesis de la semana porque demuestra que el blues-rock no vive solo de homenajes o reediciones; también puede seguir funcionando como relato actual. Su lugar en la playlist es estratégico: aterriza la energía progresiva anterior en un terreno más directo, vocal y humano.
7. Joe Bonamassa — “Tattoo’d Lady (Live)”
“Tattoo’d Lady (Live)” es el núcleo memorial del bloque blues-rock. No se trata solo de Bonamassa interpretando a Rory Gallagher, sino de Bonamassa enfrentándose a un repertorio donde la técnica no basta. Gallagher exige nervio, aspereza, carretera y una relación directa con el escenario; Bonamassa, en cambio, pertenece a una cultura sonora más pulida, más controlada, de alta definición. Ahí nace el interés de la canción. Su presencia en la playlist permite plantear la pregunta crítica: ¿homenaje vivo o museo impecable? Escuchada aquí, la versión no funciona como cierre del pasado, sino como tensión entre memoria y presente.
8. Beth Hart — “Mean Ole Man Of Mine”
Beth Hart aporta al bloque blues-rock una dimensión vocal imprescindible. “Mean Ole Man Of Mine” no entra como centro informativo de la semana, sino como textura emocional: blues, soul, rock y confesión en una misma zona expresiva. Hart representa una vía distinta a la del guitarrista virtuoso: su instrumento principal es la voz, y desde ahí convierte el blues-rock en una forma de dramatización personal. En la playlist sirve para recordar que la raíz no pertenece solo al riff o al solo, sino también al fraseo, la respiración, el desgarro y la intensidad interpretativa. Es una pieza de continuidad emocional.
9. John Corabi — “1969”
“1969” funciona como bisagra entre hard rock clásico, soul rock y memoria generacional. Corabi ha sido durante décadas una voz asociada a proyectos ajenos, pero aquí la playlist lo sitúa en un espacio propio: cantante de oficio, heredero de una tradición setentera, pero también figura que necesita reposicionarse desde la canción. El título mismo activa una lectura histórica: no se trata solo de nostalgia por una fecha, sino de una atmósfera cultural, de una forma de imaginar el rock como energía social, callejera y emocional. Su función dentro del bloque es aportar cuerpo hard rock sin romper el hilo bluesero.
10. Jared James Nichols — “Runnin’ Hot”
“Runnin’ Hot” debe entenderse como recuperación editorial, no como estreno estricto de la semana. Su presencia en la playlist, sin embargo, está justificada por una razón musical clara: devuelve tono grueso, diversión guitarrera y una energía menos reverencial después de varios cortes cargados de memoria. Nichols representa una lectura física del blues-rock, más orientada al empuje que a la solemnidad. En un bloque donde Gallagher y Bonamassa abren preguntas sobre el homenaje, y Beth Hart trabaja la dimensión vocal, Nichols aporta placer directo de amplificador. No teoriza el linaje: lo enciende, lo empuja y lo lleva al terreno del riff.
Cara C — Archivo activo
11. Traffic — “Feelin’ Alright?”
“Feelin’ Alright?” es el centro Dave Mason de la playlist. Su inclusión es obligatoria, pero no por automatismo necrológico, sino porque explica la tesis completa del informe. Es una canción abierta, migratoria, capaz de sobrevivir a versiones, estilos y contextos sin perder estructura. Ahí está su valor histórico: demuestra cómo una buena composición puede moverse entre rock, soul, blues y pop sin quedar fijada en una sola identidad. En esta playlist, además, funciona como descenso consciente al archivo. Después del presente eléctrico y el blues-rock contemporáneo, Mason aparece como raíz flexible, no como pieza de museo.
12. Dave Mason — “We Just Disagree”
“We Just Disagree” permite no reducir a Dave Mason a Traffic. Es importante incluirla porque muestra otra faceta: el compositor e intérprete capaz de moverse hacia un rock de autor más melódico, suave y estadounidense, sin perder personalidad. Frente a la circulación colectiva de “Feelin’ Alright?”, aquí aparece un Mason más centrado en la canción directa, en la economía emocional y en una forma de soft rock que no necesita grandilocuencia para ser eficaz. En la playlist, esta pieza humaniza el bloque memorial. Después del Mason histórico, llega el Mason íntimo: menos escena, más voz, más oficio compositivo.
13. The Allman Brothers Band — “Dreams”
“Dreams” es la elección adecuada para conectar con Gregg Allman sin caer en el lugar común más inmediato. Frente a “Midnight Rider”, quizá más reconocible, “Dreams” permite escuchar al Allman más espiritual, bluesero e introspectivo. La canción abre un espacio de suspensión: órgano, voz, guitarra y una sensación de deriva emocional que resume muy bien la idea de southern rock como organismo improvisador. En el contexto del documental sobre Gregg Allman, este tema funciona como puerta de entrada a una lectura más profunda: no carretera y cliché sureño, sino pérdida, alma, gospel, blues y comunidad musical en tensión.
14. Rory Gallagher — “Tattoo’d Lady”
Escuchar la “Tattoo’d Lady” original después de la versión de Bonamassa es una decisión editorial deliberada. La comparación permite percibir qué se conserva y qué se transforma cuando una música nacida de la fricción entra en una producción contemporánea más pulida. En Gallagher, la canción tiene algo de crónica de carretera, personaje marginal y escenario vivido desde dentro. No es solo una estructura para el lucimiento guitarrístico; es un pequeño mundo narrativo. Su presencia aquí devuelve rugosidad al bloque memorial y recuerda que la autenticidad no está en sonar antiguo, sino en conservar tensión, urgencia y una cierta resistencia al barniz.
15. Roy Orbison — “Only the Lonely”
“Only the Lonely” introduce una memoria emocional distinta. Roy Orbison no entra aquí por relación directa con los lanzamientos de la semana, sino por su función conceptual: la vulnerabilidad masculina en el rock antes de que el rock confesional se convirtiera en lenguaje común. Su voz dramatiza la soledad sin convertirla en pose agresiva; hay fragilidad, pero también arquitectura melódica y una teatralidad oscura. En esta playlist, Orbison actúa como descanso y profundidad. Después del blues-rock de carretera y el southern rock herido, su canción abre otra genealogía: la del dolor convertido en forma vocal monumental.
Cara D — Progresivo, directo y cierre histórico
16. Emerson, Lake & Palmer — “Fanfare for the Common Man”
“Fanfare for the Common Man” abre el bloque progresivo porque conecta de forma directa con la noticia de los BBC Proms. Es una elección casi programática: rock, repertorio sinfónico, espectáculo, grandilocuencia y tensión entre cultura popular y alta cultura. ELP llevaron esa frontera al límite, a veces con brillantez y a veces con exceso; precisamente por eso siguen siendo imprescindibles para entender el debate sobre la canonización del prog. En la playlist, esta pieza no aparece como nostalgia setentera, sino como pregunta: ¿qué ocurre cuando una música nacida del exceso eléctrico vuelve al marco institucional que en parte imitaba, desafiaba y parodiaba?
17. Genesis — “Firth of Fifth”
“Firth of Fifth” es una de las mejores defensas del progresivo como arquitectura. Su lugar en la playlist responde a una necesidad argumental: demostrar que el prog no puede reducirse a pompa, duración o virtuosismo. Aquí hay tema, desarrollo, lirismo, tensión instrumental y una progresión que justifica la escucha larga. La pieza permite entender por qué cierta música progresiva puede soportar una lectura orquestal sin desmoronarse: porque ya estaba pensada con lógica estructural. En el contexto del Prog Prom, Genesis aporta el lado más narrativo, elegante y formalmente equilibrado del género. Es el corazón compositivo del bloque.
18. Jethro Tull — “Aqualung”
“Aqualung” evita que el bloque progresivo quede encerrado en la solemnidad sinfónica. Jethro Tull aportan otra cosa: acidez, mirada social, aspereza acústico-eléctrica y una teatralidad más terrestre. La canción tiene riff, personaje, ironía, suciedad y una forma de narración que conecta el prog con la calle, la marginalidad y el cuerpo. Por eso es necesaria en esta playlist. Si ELP representan la fanfarria y Genesis la arquitectura, Jethro Tull recuerdan que el progresivo también podía ser incómodo, literario, crítico y físicamente rugoso. “Aqualung” introduce tierra bajo los pies antes del tramo final de directo y expansión.
19. Peter Frampton — “Do You Feel Like We Do” — live
La inclusión de “Do You Feel Like We Do” en directo responde a la efeméride de Peter Frampton y a una idea más amplia: el directo como forma de canonización. En los años setenta, un álbum en vivo podía redefinir una carrera, fijar una imagen pública y convertir una canción en experiencia colectiva. Esta versión funciona en la playlist como puente entre classic rock, guitarra extendida, público y memoria de estadio. Después del bloque progresivo, Frampton devuelve la atención al escenario, al tiempo real, a la interacción con la audiencia. Es rock entendido como acontecimiento, no solo como grabación de estudio.
20. Devin Townsend — “Home At Night”
“Home At Night” cierra la playlist desde el presente expansivo. Devin Townsend no pertenece al núcleo rock/blues estricto, pero sí al arco de la semana: ambición progresiva, emocionalidad, gran formato y cruce entre canción, orquesta y metal. Su inclusión como cierre permite que la lista no termine en el archivo, sino en una forma contemporánea de exceso controlado. Townsend trabaja una escala monumental, pero cuando acierta, esa escala no aplasta la emoción: la amplifica. Después de Mason, Gallagher, Allman, Orbison, ELP, Genesis y Frampton, este cierre sugiere que el archivo sigue abierto. La electricidad continúa transformándose.
Conclusión: memoria en combustión
La semana del 20 al 26 de abril de 2026 no demuestra que el rock viva de su pasado. Demuestra algo más interesante: que el rock sigue teniendo sentido cuando sabe discutirlo. Dave Mason obliga a mirar a los músicos de cruce que hicieron circular el lenguaje. Foo Fighters plantean la pregunta por la energía después del duelo. Muse reactivan su propio archivo cósmico. Plini muestra que la técnica puede dejar de ser narcisismo para convertirse en arquitectura. Los Proms abren el debate sobre la canonización del progresivo. Gallagher, Bonamassa y Allman recuerdan que el blues-rock solo permanece vivo si conserva conflicto, aspereza y verdad emocional.
El archivo no sirve si se convierte en vitrina. Sirve cuando incomoda, cuando exige comparación, cuando obliga a escuchar mejor. Gallagher no necesita una iluminación perfecta; necesita que no se pierda la rugosidad. Allman no necesita postal sureña; necesita que su voz sea entendida como puente entre dolor, gospel, blues y comunidad musical. Mason no necesita estatua; necesita contexto.
Ahí está la clave de la semana: el pasado no fue refugio, sino instrumento crítico. El rock sigue importando cuando convierte memoria en electricidad.
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