ÁLBUMES
17 de julio de 2026 · ÁLBUM / EP
A Stranger to YouLoathe
El primer álbum de Loathe en seis años no funciona como una simple continuación de I Let It In and It Took Everything. El grupo de Liverpool conserva la afinación grave, los ataques sincopados y la presión del metalcore, pero coloca esos elementos dentro de una arquitectura mucho más abierta. Pasajes de shoegaze, electrónica ambiental, guitarra acústica, ruido industrial, piano de resonancias jazzísticas y narración hablada modifican continuamente la perspectiva.
El desafío era evitar que tal cantidad de recursos produjera un catálogo de experimentos inconexos. Loathe lo resuelve mediante melodías recurrentes, transiciones cuidadosamente graduadas y una producción que entiende el contraste como parte de la composición. La distorsión no ocupa todo el espacio: aparece después de zonas frágiles y, por ello, gana impacto.
Las colaboraciones con Olli Appleyard, NOWHERE2RUN, Jordan Rakei, Mansur Brown y bucki sugar amplían el lenguaje sin convertir el disco en una sucesión de invitados. La recepción inicial destacó precisamente esa capacidad para integrar metal, jazz, electrónica y rock gótico dentro de canciones reconocibles. Es el lanzamiento de mayor ambición formal de la semana.
17 de julio de 2026 · ÁLBUM / EP
DecadesMotionless in White
Decades - Motionless in White
El séptimo álbum de Motionless in White coincide con el vigésimo aniversario del grupo y está construido como una recapitulación deliberada. La banda reúne metalcore, electrónica industrial, estética gótica, estribillos de rock alternativo y producción de escala casi cinematográfica. Drew Fulk y Justin deBlieck organizan un sonido muy comprimido, definido por guitarras graves, capas sintéticas y una batería diseñada para conservar pegada incluso en las secciones más densas.
El principal riesgo de Decades reside en su propia amplitud: cuando una banda pretende representar todas sus épocas puede acabar suavizando sus diferencias. Aquí, sin embargo, el contraste entre agresividad, melodrama y teatralidad permite reconocer la evolución sin que el álbum parezca una antología. Chris Cerulli alterna registros rasgados, recitación, voz limpia y líneas melódicas expansivas; la producción trata su voz como centro narrativo.
No es un regreso arqueológico al metalcore de los primeros años. Es una consolidación del modelo con el que Motionless in White aspira a ocupar escenarios mayores: canciones compactas, imagen espectacular y una mezcla calculada de oscuridad, accesibilidad y peso.
17 de julio de 2026 · ÁLBUM / EP
Bring on the PsychicsQuicksand
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Quicksand - Bring on the Psychics
Quicksand mantiene la identidad que ayudó a definir el post-hardcore estadounidense de los noventa, pero evita convertirla en una pieza de museo. Las guitarras continúan trabajando con acordes musculares, silencios abruptos y disonancias controladas; el bajo no se limita a duplicarlas, sino que completa los huecos rítmicos. Alan Cage aporta una batería seca y móvil, mientras Walter Schreifels conserva esa combinación de tensión melódica y aspereza vocal que distingue al grupo.
La presencia de Stephen Brodsky y Sergio Vega en la formación amplía el margen instrumental. Hay mayor interés por la textura, por los armónicos y por estructuras que progresan mediante acumulación en lugar de depender siempre de una oposición rígida entre verso y estribillo. El sonido resulta pesado, pero no hipersaturado: cada instrumento conserva espacio y definición.
El cambio a Equal Vision Records es coherente con esta fase. Quicksand ocupa una posición histórica, aunque sigue escribiendo como una banda contemporánea. Bring on the Psychics importa porque conecta la disciplina del hardcore con una sensibilidad alternativa que influyó tanto en Helmet y Deftones como en varias generaciones posteriores de post-hardcore.
17 de julio de 2026 · ÁLBUM / EP
HomageTesla
Tesla afronta el formato de versiones desde una perspectiva autobiográfica. Homage no pretende demostrar que el grupo puede transformar cualquier composición en heavy metal; reconstruye, más bien, el mapa de influencias que alimentó su hard rock: blues eléctrico, soul, rock clásico y melodía de radio estadounidense.
La producción mantiene un tratamiento orgánico de guitarras, batería y bajo. Jeff Keith conserva su timbre áspero, pero el repertorio obliga a observar también sus recursos de fraseo y dinámica. Las guitarras de Frank Hannon y Dave Rude evitan la exhibición gratuita: responden a los arreglos originales, introducen mayor saturación y adaptan las armonías al peso característico de Tesla.
El disco es menos trascendente que un álbum de material propio, pero resulta editorialmente útil porque explica por qué Tesla siempre quedó ligeramente apartado del glam metal. Su vocabulario depende más del blues, del rock de los setenta y de la interpretación colectiva que del brillo de estudio asociado al Sunset Strip. Homage funciona como documento de filiación musical y como recordatorio de la amplitud histórica del hard rock estadounidense.
17 de julio de 2026 · ÁLBUM / EP
WithinProtest the Hero
El primer álbum de Protest the Hero desde Palimpsest posee una importancia que trasciende el regreso discográfico: es su primera publicación global completamente independiente. Esa recuperación del control creativo encaja con un trabajo centrado en la relación entre el mundo exterior y la identidad individual, inspirado parcialmente en la idea hermética de correspondencia entre lo interior y lo exterior.
Musicalmente conserva la firma del grupo: guitarras veloces, compases cambiantes, articulación muy precisa y una voz capaz de atravesar líneas de gran dificultad melódica. La novedad está en cómo la banda administra esa información. Los pasajes orquestales de William Lamoureux, los interludios y las secciones más espaciosas impiden que el virtuosismo se convierta en una corriente uniforme.
Within no abandona la complejidad, pero la subordina con mayor claridad a la narración. Los cambios de tempo y tonalidad reflejan estados de inestabilidad, introspección y recuperación del control. Su independencia no garantiza por sí sola un mejor disco, aunque sí convierte cada decisión —duración, secuencia y contraste— en responsabilidad directa de la banda. Es uno de los regresos más sólidos de la semana.
17 de julio de 2026 · ÁLBUM / EP
The Pulse of AnnihilationPsycroptic
El debut de Psycroptic para Metal Blade no altera su identidad, pero sí refina su método. Joe Haley sigue escribiendo riffs de enorme densidad, aunque la técnica aparece distribuida dentro de estructuras más legibles. Los motivos reaparecen transformados, las transiciones son fluidas y los cambios de compás no interrumpen innecesariamente el impulso.
Dave Haley proporciona una batería precisa y violenta, pero la producción evita que los bombos y los platos oculten el movimiento interno de las guitarras. El bajo de Todd Stern aporta masa y elasticidad, mientras Jason Peppiatt utiliza un fraseo rítmico que se acopla a las figuras instrumentales sin limitarse a cubrirlas con un rugido continuo.
El álbum insiste más de lo habitual en el groove y en ciertos reflejos thrash. Esa decisión puede decepcionar a quien equipare death metal técnico con velocidad permanente, pero mejora la capacidad de las canciones para respirar y fijar sus riffs. La principal reserva es que la uniformidad sonora llega a producir fatiga en la segunda mitad. Aun así, Psycroptic demuestra que la evolución técnica también puede consistir en seleccionar mejor, no solo en añadir dificultad.
Singles y vídeos
17 de julio de 2026 · Visualizer oficial
Loathe«No Stranger to You»
Fuente: canal oficial; visualizer verificado.
Loathe presenta una composición construida alrededor de la gravedad ambiental, no de una descarga inmediata. Las guitarras forman una masa suspendida, con distorsión difusa y acordes que privilegian resonancia y duración. La sección rítmica introduce peso sin destruir esa sensación flotante: los golpes aparecen espaciados, casi como puntos de anclaje dentro de una mezcla deliberadamente nebulosa.
La voz limpia se mantiene integrada en la textura antes de abrirse hacia una expresión más intensa. Esa dinámica permite que la pieza dialogue con el shoegaze sin quedar reducida a una imitación de sus recursos superficiales. Lo importante no es solo la cantidad de reverberación, sino la forma en que las capas modifican la percepción del riff.
El visualizer evita imponer una narración literal y refuerza la condición introspectiva de la canción. Como pieza de presentación del álbum, confirma que Loathe ya no considera la atmósfera un descanso entre secciones pesadas: es uno de sus materiales compositivos principales. La recepción inicial destacó precisamente el equilibrio entre belleza, extrañeza y densidad.
13 de julio de 2026 · Videoclip oficial
Mastodon«Snakes for Dinner»
Fuente: canal oficial; videoclip verificado.
La primera presentación extensa de la nueva etapa de Mastodon combina continuidad y reconfiguración. Bill Kelliher y Nick Johnston levantan un entramado de riffs angulares, armonías dobles y breves fugas solistas que recuerda la energía de la fase intermedia del grupo sin reproducirla literalmente. Brann Dailor empuja la estructura con su habitual mezcla de precisión, desplazamientos y exuberancia.
Josh Homme aparece como invitado vocal y funciona mejor como color que como centro. Su fraseo seco y ligeramente irónico contrasta con las voces armonizadas de Mastodon y añade una conexión histórica con su colaboración de 2006. El vídeo adopta un tono de comedia macabra que rebaja cualquier tentación de solemnidad excesiva.
La canción es importante porque permite escuchar cómo Mastodon reorganiza el espacio dejado por Brent Hinds. Johnston no intenta imitarlo: aporta una articulación más limpia y moderna. El resultado conserva músculo y extrañeza, aunque todavía será necesario escuchar el álbum completo para determinar si la nueva formación ha desarrollado una sintaxis verdaderamente propia.
17 de julio de 2026 · Videoclip oficial
In This Moment«Crawl»
Fuente: canal oficial; videoclip verificado.
In This Moment intensifica aquí la dimensión industrial de su sonido. La base está dominada por programación, golpes electrónicos secos y un pulso cercano a la música de club, sobre el que las guitarras añaden gravedad más que desarrollo armónico. Maria Brink alterna contención, susurro y ataque rasgado, utilizando la repetición como herramienta de presión psicológica.
La letra ha sido presentada por la banda como una respuesta a las dinámicas de dominación y abuso. Musicalmente, esa idea se traduce en un movimiento insistente: la canción parece avanzar por arrastre, con escaso espacio de descanso y un estribillo diseñado para resultar corporal antes que melódicamente expansivo.
El videoclip subraya la relación habitual de In This Moment entre coreografía, erotismo, violencia simbólica y control de la mirada. No introduce un cambio completo de dirección, pero sí una integración más convincente de electrónica bailable y metal. Dentro del catálogo del grupo, su función es establecer el tono de Witch, anunciado para el 28 de agosto mediante Better Noise Music: un disco centrado en transformación, poder y resistencia. Anuncio contrastado.
17 de julio de 2026 · Videoclip oficial
Bury Tomorrow«Sx»
Fuente: canal oficial; videoclip verificado.
Bury Tomorrow utiliza esta publicación para señalar una ruptura doble: sonora y empresarial. La banda combina su base metalcore con programación industrial, graves electrónicos y un tratamiento vocal más fragmentado. Los riffs siguen dependiendo de golpes sincopados y breakdowns, pero el diseño rítmico ya no procede exclusivamente de guitarras y batería.
La alternancia vocal conserva la tensión entre agresividad y melodía característica del grupo, aunque las voces limpias están menos orientadas al gran estribillo tradicional. La producción introduce pequeñas interrupciones, distorsiones digitales y silencios que hacen que el pulso resulte inestable y mecánico.
El vídeo acompaña esa mutación con montaje rápido, iluminación agresiva y una estética tecnológica sin construir una trama cerrada. Su importancia reside en que fue presentado junto con DEA‡H Records, el nuevo sello independiente impulsado por la banda. La operación debe valorarse con prudencia: poseer un sello no garantiza autonomía absoluta, pero sí permite controlar calendario, imagen y estrategia de publicación. Sx funciona así como declaración de intenciones y como prueba de que Bury Tomorrow no quiere quedar encerrado en la fórmula melódica del metalcore británico.
playlist seleccionada:
SELECCIÓN EDITORIAL
Red Method«Detonate»
Red Method abre la selección con una pieza breve, claustrofóbica y orientada al impacto. El riff principal utiliza una afinación muy grave y pausas que dejan respirar al bombo antes de cada golpe. Los scratches y tratamientos electrónicos no aparecen como decoración nostálgica: se integran en la métrica y ayudan a fragmentar el flujo.
La voz alterna gruñidos, gritos rítmicos y capas procesadas. El resultado conecta con el nu metal de finales de los noventa, pero la producción pertenece claramente al metal moderno: graves extremadamente controlados, batería seca y una separación instrumental que evita la suciedad accidental.
Su inclusión abre la Playlist con un lenguaje inmediato antes de avanzar hacia propuestas más complejas. También permite distinguir entre revival y copia. Red Method recupera la relación entre groove, electrónica y turntablism, pero la aplica a una mezcla contemporánea cercana al metalcore industrial. Procede del EP As in Life, publicado durante la semana, y funciona como síntesis de su vertiente más agresiva.
SELECCIÓN EDITORIAL
Scene Queen con Left to Suffer«Metalicious»
Scene Queen utiliza conscientemente códigos del pop de los años dos mil —frases juguetonas, teatralidad, colores exagerados y sexualidad— para introducirlos dentro de una base metalcore. La colaboración con Left to Suffer incrementa el peso: guitarras graves, voces extremas y un breakdown que contrasta con la ligereza deliberada de las secciones anteriores.
La canción no intenta reconciliar ambos mundos de manera discreta. Su efecto depende de que la transición sea visible, incluso provocadora. Esa estrategia puede parecer una novedad puramente estética, pero plantea una cuestión importante: qué códigos visuales y qué identidades siguen considerándose legítimos dentro del metal.
En el flujo de la Playlist, mantiene el groove de la apertura y amplía su componente performativo. No posee el desarrollo estructural más sofisticado de la semana, pero sí una idea clara y reconocible. Su brevedad impide que la ironía se agote. Es una inclusión útil para representar cómo una nueva generación trabaja con metalcore, cultura digital y pop sin pedir permiso a las jerarquías tradicionales del género.
SELECCIÓN EDITORIAL
Brat«Manslayer (Hell Hath No Fury)»
Brat responde a la ligereza anterior con una pieza mucho más áspera. La banda combina la velocidad del grind, riffs de death metal de los noventa y una ejecución hardcore que privilegia el impacto colectivo. La batería alterna ráfagas rápidas con cambios de medio tiempo; las guitarras emplean figuras cortas y graves, dejando que la voz se sitúe en primer plano.
La denominación “barbiegrind” utilizada por el grupo describe su contraste visual, pero no debería ocultar la solidez musical. La canción funciona porque las transiciones están medidas y cada cambio rítmico llega antes de que el motivo anterior pierda fuerza. No depende únicamente de imagen o provocación.
Dentro de la secuencia, actúa como primer salto hacia el metal extremo. Conserva la fisicidad de Red Method y Scene Queen, pero elimina casi toda concesión melódica. Su inclusión también evidencia que las fronteras entre hardcore, grindcore y death metal continúan siendo productivas cuando una banda comprende la función rítmica de cada estilo en lugar de mezclarlos indiscriminadamente.
SELECCIÓN EDITORIAL
Employed to Serve«A Moment Gone Too Soon»
Employed to Serve construye la canción alrededor de una sensación de avance continuo. El inicio utiliza un ataque cercano al blast beat antes de asentarse en un patrón de golpes regulares y riffs descendentes. La batería no busca adornar: mantiene una presión constante que convierte incluso las pausas en preparación para el siguiente impacto.
Las voces son ásperas, pero poseen suficiente articulación para conservar el componente narrativo. Las guitarras introducen breves aperturas armónicas que evitan la monotonía sin transformar la pieza en metalcore melódico convencional. El bajo permanece ligado al riff y refuerza una zona grave particularmente compacta.
Su posición en la Playlist prolonga la violencia de Brat, aunque con una estructura más amplia y disciplinada. Es música concebida para una sala pequeña y una respuesta física inmediata, pero la producción permite escuchar cada capa. La banda anunció además una gira británica y europea para noviembre, contexto que confirma la función del tema como herramienta de directo y no como experimento aislado de estudio.
SELECCIÓN EDITORIAL
Burner con Josh Middleton«What Will You Give?»
Burner trabaja en el punto donde el death metal adquiere la brusquedad del hardcore. El riff inicial posee una articulación pesada, casi arrastrada, pero la estructura introduce aceleraciones y cortes que impiden una sensación estática. La colaboración de Josh Middleton aporta precisión y un ataque de guitarra reconocible sin desplazar la identidad de la banda.
La voz utiliza un registro grave, acompañado por gritos más altos que aumentan la sensación de desorden controlado. La producción no busca pulcritud clínica: conserva una rugosidad suficiente para que los golpes parezcan físicos, aunque la mezcla distingue claramente batería, guitarras y capas vocales.
La canción anuncia No One Is Coming to Save Us, previsto para septiembre. Dentro de esta selección sirve como transición desde el hardcore metálico hacia formas más densas de death metal. Su principal virtud es la administración del tempo. Burner comprende que la agresividad no depende de tocar siempre rápido; los cambios de velocidad y el peso de los silencios convierten el riff en una estructura móvil.
SELECCIÓN EDITORIAL
Psycroptic«Ashes of a New Dawn»
Psycroptic desplaza el recorrido hacia una precisión mucho mayor. La introducción lenta crea una falsa estabilidad antes de que Joe Haley introduzca una sucesión de riffs articulados, ligados y variaciones rítmicas. Su guitarra evita el abuso de acordes densos: trabaja con líneas secas, notas separadas y pequeños desplazamientos que permanecen reconocibles incluso a gran velocidad.
Dave Haley responde con una batería extraordinariamente ajustada, capaz de cambiar de subdivisión sin perder el pulso general. Todd Stern fortalece las transiciones y Jason Peppiatt coloca las sílabas sobre los acentos instrumentales, convirtiendo la voz en otra pieza de la maquinaria rítmica.
El tema representa la vertiente técnica de la semana, aunque su valor no se limita a la dificultad. Posee un arco legible: preparación, aceleración, desarrollo y resolución. Después de la aspereza de Burner, aporta claridad y movimiento. El vídeo fue publicado por Metal Blade el 16 de julio como último adelanto inmediato del álbum, cuya llegada se produjo al día siguiente. Comunicado oficial.
SELECCIÓN EDITORIAL
Ethereal Rot«Into the Naught»
Ethereal Rot utiliza parte del vocabulario técnico de Psycroptic, pero lo somete a una atmósfera mucho más oscura. Las guitarras combinan trémolo, figuras disonantes y cambios de dirección rápidos. La batería sostiene el vértigo mediante blast beats, aunque introduce suficientes variaciones para que la pieza no parezca un único bloque.
La voz grave permanece relativamente estable mientras el entorno instrumental cambia. Esa decisión ofrece un punto de referencia dentro de una composición que podría resultar excesivamente laberíntica. La producción equilibra definición y suciedad: permite seguir los riffs sin eliminar la sensación de amenaza.
El grupo procede de Portland, Maine, y publicó durante la semana su debut homónimo después de dos EP. Su carácter independiente refuerza el interés del lanzamiento. En la Playlist actúa como puente entre el death metal técnico de construcción nítida y las texturas negras y cósmicas que dominarán las dos siguientes entradas. Es una de las novedades underground claras de la edición, seleccionada por su ambición y no simplemente por su nivel de extremidad.
SELECCIÓN EDITORIAL
Niveous«Harbinger of the Void Star»
Niveous abre su álbum conceptual con más de siete minutos de black metal frío y narrativo. El trémolo establece una sensación de movimiento continuo, mientras la batería alterna impulso rápido y secciones más solemnes. La producción, realizada en Electrical Audio y masterizada por Arthur Rizk, conserva aspereza sin recurrir a una grabación deliberadamente ilegible.
El tema introduce el universo de Cult of the Void Star: un monolito extraterrestre provoca una nueva edad de hielo y enfrenta a un culto cósmico con comunidades supervivientes. El concepto podría convertirse fácilmente en ornamento, pero la música traduce esa escala mediante motivos repetidos, capas atmosféricas y una duración que permite desarrollar tensión.
Es la primera wildcard porque representa una banda joven fuera del circuito dominante y porque su narrativa une black metal, ciencia ficción y construcción de mundos. La escucha oficial se ofrece mediante Bandcamp de Hypnotic Dirge Records; no se localizó un vídeo individual autorizado de calidad equivalente.
SELECCIÓN EDITORIAL
Soulgrind«Jylhä metsämies»
Soulgrind aporta una interpretación finlandesa del metal extremo que no se ajusta por completo a una etiqueta. El riff inicial tiene peso de death metal, mientras las voces y determinadas líneas de guitarra se aproximan al black metal. La banda introduce además cambios progresivos que interrumpen la dirección esperada sin descomponer la canción.
La voz posee un timbre especialmente rugoso y profundo. En lugar de ocupar toda la mezcla, aparece rodeada por guitarras de registro medio y una batería que alterna patrones rectos con aceleraciones. La producción evita el brillo excesivo y deja una textura granulada, apropiada para el carácter sombrío de la pieza.
Después de Niveous, el tema conserva la oscuridad, pero reduce la dimensión atmosférica y recupera el empuje físico. Soulgrind, activo desde los años noventa, demuestra aquí que una banda veterana puede modificar su lenguaje sin perder continuidad. La composición anticipa Ad Pulchram Mortem, previsto para el 14 de agosto, y constituye una de las inclusiones menos previsibles de la semana.
SELECCIÓN EDITORIAL
The Ocean«Belligerence»
The Ocean equilibra melodía y peso tectónico. La canción comienza con una construcción contenida, donde bajo y batería establecen profundidad antes de que las guitarras formen acordes amplios y disonantes. Cuando llega la sección pesada, no funciona como un breakdown independiente, sino como consecuencia de la acumulación anterior.
La nueva formación muestra una relación distinta entre voz y acompañamiento. Las partes melódicas poseen espacio y las extremas aparecen sobre riffs más abiertos que en la fase más técnica del grupo. La producción de Robin Staps conserva la escala cinematográfica característica de The Ocean, aunque el ataque de la batería impide que la atmósfera absorba el movimiento.
En la Playlist, Belligerence actúa como descompresión después de varias piezas rápidas. No reduce la intensidad; la distribuye en un arco más largo. Es también una señal del próximo álbum Solaris, previsto para el 25 de septiembre. La canción sugiere un retorno parcial al post-metal de los primeros trabajos, combinado con la precisión progresiva desarrollada durante la etapa Phanerozoic.
SELECCIÓN EDITORIAL
Native James con Frisco«Never Been Scared»
Native James integra grime y metal sin limitarse a colocar una base de guitarra debajo de un rap. El flujo vocal define la métrica: los riffs cortos y metálicos responden a las sílabas, mientras la batería utiliza un patrón que conserva parte de la elasticidad electrónica del grime. Frisco aporta un segundo timbre y evita que la canción dependa de una sola cadencia.
Las guitarras poseen una textura áspera, casi industrial, y trabajan más como percusión que como soporte armónico. La mezcla deja la voz en primer plano, una decisión lógica porque el centro de gravedad está en el fraseo. El estribillo no busca melodía expansiva; utiliza reiteración y volumen.
Su inclusión amplía deliberadamente la frontera editorial de Metal Semanal. El grime metal todavía carece de una definición estable, pero ese estado de formación lo hace relevante. Después del desarrollo progresivo de The Ocean, esta pieza devuelve la selección a la concisión urbana y al ritmo. Native James y Frisco la presentaron previamente en Download Festival, y su versión oficial confirma que la colaboración tiene función compositiva, no promocional.
SELECCIÓN EDITORIAL
Carbon Tomb«Passage to a Neutron Star»
Carbon Tomb cierra la Playlist con la composición titular de su debut. El grupo danés trabaja con acordes disonantes, ritmos quebrados y una sensación de inestabilidad cercana a Ulcerate o Artificial Brain. Sin embargo, la música conserva dirección: las repeticiones están colocadas para que el oyente identifique motivos dentro de la turbulencia.
Richardt, también vinculado a Dysgnostic, combina guitarra y gritos agudos; Jeppe aporta bajo y voces graves, y Mikael utiliza la batería para unir secciones que podrían parecer incompatibles. La producción deja suficiente espacio entre los instrumentos, evitando que la disonancia se convierta en ruido indiferenciado.
Es la segunda wildcard por tratarse de un debut underground danés distribuido por Transcending Obscurity y por su capacidad para ampliar la idea de death metal técnico hacia algo más abstracto. La elección del cierre responde a su función: después de recorrer groove, hardcore, black metal, post-metal y grime, la Playlist termina suspendida en una pieza que no ofrece una resolución cómoda. Créditos oficiales.
Comprobación de la Playlist: 12 canciones; 10 novedades de circulación principal o emergente; 2 wildcards —Niveous y Carbon Tomb—; al menos 10 subestilos; 6 países —Reino Unido, Estados Unidos, Australia, Finlandia, Alemania y Dinamarca—; ninguna canción repetida en Singles/Vídeos.
Fuentes consultadas
Oficiales
Bases y calendarios especializados
Medios
