1. Versión breve · La semana en perspectiva
Entre el lunes 14 y el domingo 20 de septiembre de 2026, el blues recordó que avanzar no siempre significa romper con el pasado. La noticia de mayor calado histórico fue la llegada digital de setenta y siete interpretaciones de American Patchwork, restauradas por el Lomax Archive y Qobuz a partir de grabaciones realizadas por Alan Lomax entre 1978 y 1982. El conjunto devuelve contexto, espacio y respiración comunitaria a voces como R.L. Burnside o Sam Chatmon: no es arqueología decorativa, sino música que vuelve a circular.
El presente discográfico ofreció cuatro respuestas distintas a esa misma pregunta por la continuidad. Anthony Geraci situó el piano en el centro de un blues de Chicago abierto al jazz y al soul; Jovin Webb mezcló confesión, góspel y tensión sureña bajo la producción de Tom Hambridge; Blues Caravan 2026 convirtió la convivencia de tres guitarristas en dramaturgia de directo; y Warren Haynes, en el límite más expansivo del género, utilizó una orquesta sin desactivar el pulso de blues que sostiene su fraseo.
Los cuatro singles seleccionados también dibujaron fronteras móviles: el pantano eléctrico de Eric Johanson, la voz musculosa de Sari Schorr, la relectura austera de AC/DC por Sue Foley y el clasicismo consciente de Alex Kilroy. En la carretera, GUITARMANIA 2027 anunció una gira europea concebida como intercambio, no como concurso de velocidad. Y la puesta en marcha de un International Blues Top 20 planteó una cuestión necesaria: medir el alcance mundial del género puede ser útil, pero la transparencia metodológica será decisiva para que el ranking tenga valor cultural y no solo promocional.
La playlist final enlaza doce escuchas y evita repetir cualquiera de los cuatro singles. Su arco va del hill country restaurado a Chicago, Louisiana, Memphis, Carolina del Norte, Texas, Suiza y Rumanía. Esa amplitud no borra el tronco común: esta semana, el blues fue menos una fórmula que una forma de transmitir memoria mediante el sonido.
2. Tabla de contenidos
3. Álbumes y EPs
La elección NovoRiff
Jovin Webb — Son of a Sinner
Blind Pig Records · 18 de septiembre de 2026 · blues sureño, góspel y soul
Jovin Webb construye Son of a Sinner sobre una voz rasgada que parece cargar cada canción antes de pronunciarla. Tom Hambridge, productor del álbum, evita pulir esa fricción: sitúa batería, bajo y guitarras en un plano musculoso, pero deja espacio para que el fraseo de Webb avance entre el testimonio góspel y la confesión de bar. “Pray for Me” concentra el conflicto central —fe, recaída y petición de auxilio—, mientras “I Started Young” y “After the Rain” desplazan la idea de redención desde el eslogan hacia la experiencia vivida.
El repertorio incluye once cortes y se permite cruces con el rock sureño, pero el mecanismo dramático sigue siendo blues: repetición, tensión armónica, llamada y respuesta, y una voz que convierte la biografía en medida del tiempo. Incluso las versiones de “Every Time I Roll the Dice” o “Whipping Post” se leen desde ese peso. La producción a gran escala podría haberlo acercado a un soul-rock indistinto; no sucede porque Webb mantiene el centro moral de las canciones. Es el disco más completo de la semana por su capacidad para unir impacto inmediato, conflicto interno y tradición sin convertir ninguna de esas capas en ornamento.
Anthony Geraci — Where Were You
Delmark Records · 18 de septiembre de 2026 · piano blues, Chicago blues y jazz
En Where Were You, Anthony Geraci recuerda que el piano no es acompañamiento ornamental dentro del blues urbano, sino un motor capaz de ordenar el conjunto. Los diez temas se mueven entre boogie, swing, balada soul y una sensibilidad jazzística que amplía el vocabulario sin diluirlo. “Brooklyn Boogie” deja que la mano izquierda marque la arquitectura mientras metales y guitarra responden; “Caterpillar Dance” trabaja el impulso rítmico con humor; y la suite “Blues” abre un espacio más reflexivo dentro de una secuencia generalmente expansiva.
Sheryl Youngblood participa en tres cortes y aporta una voz con suficiente autoridad como para dialogar con el teclado, no quedar encima de él. Ese equilibrio de protagonismos define el disco. Geraci conoce el idioma de Chicago, pero no lo reduce a una recreación de club: alterna densidad y aire, deja que cada intervención tenga función y convierte el fraseo pianístico en comentario continuo. La edición simultánea en alta resolución, CD y vinilo subraya la apuesta de Delmark, aunque lo decisivo está en la interpretación. Es un álbum tradicional por gramática y contemporáneo por montaje, una demostración de que conservar una forma también puede significar revisar quién conduce la conversación.
Blues Caravan 2026 — Live
Ruf Records · 18 de septiembre de 2026 · blues eléctrico en directo
Blues Caravan 2026 — Live documenta el concierto del 31 de enero en el Blues Garage de Isernhagen y evita el defecto habitual de las revistas de gira: presentar tres mini recitales unidos solo por el cartel. Laura Chavez, Matthew Curry y Elise Frank poseen ataques y sensibilidades distintos, pero el álbum convierte esas diferencias en progresión. La apertura con “Lazy Poker Blues” establece un terreno común; después, los relevos de guitarra y voz producen contraste antes de que la parte final reúna al elenco en piezas como “Under My Thumb”, “Have Love Will Travel” y “Blue Jean Blues”.
La base de Tomek Germann, Léa Worms y Denis Palatin hace posible esa circulación sin perder forma. Michael Murauer, responsable de grabación, mezcla y masterización, conserva el empuje del escenario y evita inflar artificialmente los aplausos. El CD recoge diecisiete cortes; el DVD amplía la experiencia hasta veintinueve. Más que un escaparate de técnica, el documento funciona como relato de aprendizaje mutuo: los solos importan por cómo escuchan lo que ocurrió antes. Ruf mantiene así la función histórica del Caravan —poner generaciones y procedencias en contacto— y entrega un directo cuya energía depende menos del volumen que de la interacción.
Warren Haynes — Dreams & Songs: A Symphonic Journey
Evil Teen / Provogue–Artone · 18 de septiembre de 2026 · blues rock sinfónico
La inclusión de Warren Haynes exige precisar la frontera editorial: Dreams & Songs pertenece al territorio del blues rock y la improvisación, no al blues estricto. Entra aquí porque la articulación de la guitarra, el peso del groove y el modo de tensar una frase siguen siendo inequívocamente blues. La grabación procede del concierto de 2019 en el Thomas Wolfe Auditorium de Asheville, donde Haynes trabajó con una orquesta de sesenta y cuatro músicos y una banda excepcional: Oteil Burbridge, John Medeski, Jeff Sipe y Greg Osby, además de Edwin McCain y Jasmine Muhammad en las voces.
El riesgo era añadir una capa solemne a canciones ya consolidadas. Los mejores momentos hacen lo contrario. Los arreglos de Medeski abren contracantos, desplazan acentos y obligan a la guitarra a negociar espacio; “Banks of the Deep End” gana profundidad sin perder su pulso oscuro, y “Thorazine Shuffle” convierte la masa orquestal en tensión rítmica. El recorrido por Gov’t Mule, Allman Brothers y Grateful Dead no funciona como grandes éxitos, sino como examen de una trayectoria. Cuando la orquesta escucha a la banda y la banda acepta ser reescrita, el proyecto deja de ser un lujo de formato y se vuelve interpretación.
4. Singles y vídeos — cuatro selecciones
1. Eric Johanson — “Alligator Smile”
Publicado el 18 de septiembre, “Alligator Smile” es el segundo avance de The Open Bayou, previsto para el 16 de octubre en Levee Ward Records. Eric Johanson lo produjo y lo registró en tres días junto al bajista Will Repholz y el batería Jake Gartenstein; Bill Skibbe se ocupó de mezcla y masterización. La economía de la sesión se escucha en un arreglo que no pierde tiempo: un riff de slide, una batería compacta y una voz que se coloca entre la amenaza y la ironía.
El corte roza el hard rock por peso, pero su lógica procede del blues de Louisiana: repetición hipnótica, fraseo que arrastra las sílabas y una sensación pantanosa construida más con silencios que con efectos ambientales. Johanson evita la exhibición continua; el slide aparece como aguijón y luego vuelve al cuerpo rítmico. Esa contención separa la canción de una pieza de género fabricada alrededor de un tono grueso. “Alligator Smile” funciona como promesa razonable del álbum porque enseña una identidad —seca, local y moderna— sin intentar resumirla por completo. En una semana abundante en guitarras, destaca por comprender que la tensión también depende de lo que se retira.
2. Sari Schorr — “Running Wild”
“Running Wild”, publicado el 18 de septiembre con vídeo dirigido por Kee Koo, da título al próximo álbum de Sari Schorr, anunciado para el 9 de octubre en Europa y el 30 de octubre en Estados Unidos a través de Provogue y Artone. Tras “Mr in the Middle”, esta segunda pieza confirma que el disco buscará una escala amplia: guitarras abiertas, un estribillo diseñado para el escenario y una interpretación vocal que se apoya en el soul incluso cuando el marco se endurece.
La canción se sitúa en el borde blues-rock de esta edición. No entra por una estructura de doce compases, sino por la manera en que Schorr administra el grano, comprime una nota y convierte la intensidad en relato. El arreglo corre el riesgo de empujarla hacia un rock genérico; la voz lo evita porque introduce quiebres y retrasos que contradicen la cuadrícula. El vídeo, centrado en el impulso de la actuación, refuerza ese argumento sin sustituirlo por una trama literal. “Running Wild” no pretende regresar a una forma antigua: prueba cuánto puede expandirse una cantante formada en blues sin perder el sentido de fricción, respuesta y vulnerabilidad que sostiene su identidad.
3. Sue Foley — “Ride On”
Sue Foley eligió “Ride On”, la pieza de AC/DC publicada originalmente en 1976, como primer avance de Alone (Together): A Holiday Companion. El anuncio y la escucha llegaron el 18 de septiembre. La elección podría parecer un gesto de rock clásico, pero Foley desplaza la canción hacia otro linaje: reduce la masa, ralentiza la respiración y encuentra bajo la progresión una cercanía con el blues eléctrico contenido de Jimmy Reed y con la cadencia nocturna del Texas blues.
Lo esencial está en el espacio. La guitarra no busca imitar el original ni competir con su peso; marca respuestas breves alrededor de una voz que trata la letra como cansancio acumulado. Ese cambio de escala modifica la psicología del tema: la carretera deja de ser pose y se vuelve soledad concreta. El futuro álbum tendrá ocho cortes y un marco estacional, pero este adelanto evita la iconografía navideña y plantea compañía desde la intimidad. La versión merece atención porque demuestra que reinterpretar no consiste en cambiar el tempo o el timbre de manera visible, sino en descubrir otra tradición dentro de una canción conocida. Foley no domestica a AC/DC: revela el blues que ya estaba allí.
4. Alex Kilroy — “Crossroads On My Mind”
Alex Kilroy publicó “Crossroads On My Mind” el 18 de septiembre como primer adelanto del EP New Shade of Blue, previsto para el 23 de octubre. Nacido en Transilvania y asentado en Estados Unidos, el guitarrista no esconde la función iniciática del repertorio: el descubrimiento de Stevie Ray Vaughan a través de Live at Montreux aparece como antecedente y la encrucijada del título invoca deliberadamente uno de los grandes símbolos del género.
La dificultad consiste en usar esa iconografía sin convertirla en disfraz. Kilroy la supera cuando prioriza el groove y el fraseo por encima de la cita. La guitarra posee filo tejano, pero las pausas y los ataques cortos impiden que el tema se transforme en una sucesión de lugares comunes virtuosos. La voz, todavía menos singular que el instrumento, gana credibilidad al no sobreactuar la aspereza. El resultado es un comienzo, no una consagración: una declaración de principios que deberá sostenerse durante siete temas. Precisamente por eso interesa. “Crossroads On My Mind” muestra a un músico migrante que adopta una tradición estadounidense de forma consciente y deja abierta la pregunta más productiva para el EP: qué aportará su propio recorrido a una gramática tan reconocible.
5. Giras y festivales
GUITARMANIA 2027: ocho voces para una misma noche
El 15 de septiembre se anunció el regreso de GUITARMANIA, el proyecto itinerante de Krissy Matthews, con quince fechas europeas entre el 22 de abril y el 15 de mayo de 2027. El recorrido pasará por Alemania, Países Bajos, Suiza, Italia y Reino Unido. Matthews reunirá a Eric Gales, Eric Steckel, Russell Marsden, Pablo van de Poel, Oskar Logi, Philipp “Phipu” Gerber y Rory Evans; Slawek Semeniuk al bajo y Gerry Reynders a la batería formarán la base común.
La acumulación de guitarristas podría sugerir una competición de solos, pero el diseño del espectáculo busca lo contrario. Cada músico presenta primero su lenguaje —blues, soul, psicodelia, rock alternativo o hard rock— y las fronteras se van deshaciendo a medida que comparten escenario. Ahí reside la relevancia para el blues: no en contar notas, sino en observar cómo distintas tradiciones negocian tiempo, volumen y respuesta. La gira empieza en Hamburgo y termina en Londres, con escalas como Berlín, Múnich, Milán y Edimburgo. El cartel es amplio y parte de él vive fuera del género estricto; su valor editorial está en proponer el directo como laboratorio de escucha. Si el final colectivo conserva esa intención, GUITARMANIA será conversación antes que exhibición.
6. Noticias destacadas
El pasado dentro del presente
American Patchwork: setenta y siete actuaciones vuelven a circular
El 18 de septiembre, Qobuz y el Lomax Archive publicaron siete álbumes digitales con setenta y siete interpretaciones grabadas por Alan Lomax entre 1978 y 1982. El recorrido incluye a R.L. Burnside en el norte de Mississippi, Sam Chatmon y varios músicos reunidos en Bluesland, además de Dirty Dozen Brass Band, The White Eagles, Kid Thomas Band y Frank Proffitt Jr. La restauración corrió a cargo de Jessica Thompson y la primera disponibilidad es exclusiva de Qobuz.
La importancia no se limita al número de cintas recuperadas. Lomax registró estas músicas en granjas, porches, bares, iglesias y espacios comunitarios; eliminar por completo ese entorno habría falseado el documento. La restauración busca claridad sin convertir 1978 en 2026. Además, el sello creado alrededor del archivo trabaja con descendientes y familias, que participan en los beneficios junto a la Association for Cultural Equity. Esa dimensión corrige, al menos en parte, una cuestión histórica: quién recibe el valor generado por grabaciones de campo. Para el blues, On the Farm de Burnside es la entrada inmediata, pero el conjunto obliga a escuchar relaciones entre territorio, función social y sonido. El archivo no preserva una reliquia: reactiva una red cultural.
Nace un Top 20 internacional del blues
The Blues Magazine presentó el 20 de septiembre su International Blues Top 20, una clasificación semanal que combina radiofórmula especializada, listas oficiales, actividad de streaming en varios mercados e interés medido dentro de sus propias plataformas. La primera edición, correspondiente precisamente al 14–20 de septiembre, situó a Joanna Connor en el número uno con Live on 11/11, seguida por Harrell “Young Rell” Davenport y Joe Bonamassa. Los álbumes permanecen, por regla general, hasta doce meses dentro del periodo elegible.
La iniciativa responde a un problema real: el blues circula internacionalmente, pero sus señales están fragmentadas entre emisoras, territorios y servicios. Un índice combinado puede mostrar movimientos que una lista nacional no detecta. Su autoridad, sin embargo, dependerá de una metodología más visible. El medio explica que ninguna fuente decide por sí sola y que los buenos resultados cruzados reciben mayor peso, pero no publica todavía ponderaciones, tamaños de muestra ni mecanismos para corregir el sesgo de su audiencia. NovoRiff recibe el mapa como una herramienta potencial, no como un veredicto estético. Medir atención ayuda a comprender la escena; confundir atención con calidad empobrecería justo la diversidad que el ranking quiere representar.
7. Playlist comentada — doce escuchas, doce recursos
La secuencia amplía el mapa de la semana sin repetir ninguna de las cuatro grabaciones incluidas en “Singles y vídeos”. Los recursos aparecen en el mismo orden que las canciones.
1. Jovin Webb — “Pray for Me”
“Pray for Me” es la puerta más clara al conflicto de Son of a Sinner. Jovin Webb no canta desde una redención ya conquistada, sino desde la necesidad de pedir ayuda mientras la tentación sigue presente. Esa diferencia impide que el componente góspel se vuelva moralina. La voz avanza con una aspereza amplia, casi predicada, y Tom Hambridge coloca la sección rítmica en un punto donde el peso sureño nunca tapa la palabra.
Conviene escuchar cómo el acompañamiento responde a cada aumento de intensidad: no acelera la canción, la ensancha. La guitarra ofrece frases cortas y el coro transforma la súplica individual en experiencia comunitaria. Webb procede de Louisiana y lleva al estudio una mezcla de iglesia, blues y rock del Sur que aquí encuentra su proporción más convincente. Dentro de la lista cumple una función de apertura: establece que el blues de 2026 puede sonar grande sin perder intimidad y que la confesión sigue siendo una forma musical, no solo un tema lírico. Es novedad del 18 de septiembre y una de las interpretaciones vocales de la semana.
2. Blues Caravan 2026 — “Under My Thumb”
La versión de “Under My Thumb” permite oír la razón de ser del Blues Caravan con mayor nitidez que un solo individual. Laura Chavez, Matthew Curry y Elise Frank no intentan borrar el origen stoneano ni reproducirlo: convierten el tema en terreno compartido, alteran su temperatura con la dinámica de tres guitarras y dejan que la base de Tomek Germann, Léa Worms y Denis Palatin mantenga un cauce reconocible.
El interés está en los relevos. Cada entrada comenta la anterior y la energía crece por acumulación de respuestas, no por una subida mecánica de volumen. En el directo completo, la pieza llega cuando los lenguajes de los tres solistas ya han sido presentados; por eso funciona como escena de encuentro y no como versión de compromiso. El vídeo oficial de Ruf Records, publicado antes del álbum y ahora integrado en su contexto, conserva el componente visual de esa negociación. Para la playlist aporta blues eléctrico europeo de vocación internacional y recuerda que una gira-revista puede ser algo más que promoción cruzada: puede mostrar, en tiempo real, cómo se aprende a tocar con otro.
3. Warren Haynes — “Banks of the Deep End”
“Banks of the Deep End” era ya una de las composiciones más sombrías asociadas a Gov’t Mule. En la lectura de Dreams & Songs, la orquesta no intenta ennoblecerla: prolonga la sensación de profundidad. Las cuerdas y los metales abren un espacio alrededor del pulso, mientras Oteil Burbridge y Jeff Sipe conservan la elasticidad de una banda acostumbrada a improvisar. Haynes canta con desgaste controlado y reserva la guitarra para líneas que parecen emerger desde el fondo del arreglo.
La escucha gana si se sigue la relación entre masa y vacío. Cuando la orquesta crece, el grupo no responde tocando más; deja que el color armónico haga presión. John Medeski, encargado de buena parte del pensamiento orquestal del proyecto, entiende que una canción basada en blues necesita respiración para mantener su gravedad. Este corte representa la frontera más abierta de la playlist: blues rock, música de improvisación y escritura sinfónica en un mismo escenario. Su presencia no pretende redefinir el género desde arriba, sino comprobar qué rasgos sobreviven al cambio de formato. El fraseo de Haynes y la paciencia rítmica ofrecen la respuesta.
4. R.L. Burnside — “Jumper on the Line”
La edición restaurada de On the Farm devuelve al primer plano las grabaciones que Alan Lomax realizó a R.L. Burnside en 1978. Este audio oficial procede de otra edición de aquellas primeras tomas y sirve para reconocer el núcleo de “Jumper on the Line”: un patrón de guitarra que no progresa hacia una resolución convencional, sino que profundiza en sí mismo. La voz entra y sale del ciclo mientras el pie mantiene una percusión mínima y suficiente.
Esa repetición es la gramática del hill country, no una falta de desarrollo. Burnside altera ataques, duración y acentos hasta que un motivo aparentemente estable cambia de temperatura. La cercanía del registro permite escuchar también el entorno, elemento que la nueva restauración de American Patchwork procura conservar. Dentro de una playlist dominada por estrenos contemporáneos, esta pieza es una novedad de archivo: vuelve a estar disponible en un marco nuevo y obliga a revisar el significado de “actual”. No hay nostalgia en el groove. Hay una forma de organizar el tiempo que sigue explicando buena parte del blues eléctrico, el garage y el rock repetitivo posteriores.
5. Nicki Bluhm — “How Strong Is a Woman”
Nicki Bluhm publicó el 16 de septiembre su lectura de “How Strong Is a Woman” como homenaje a Bettye Crutcher, compositora fundamental del catálogo Stax. La canción, conocida también por Ann Peebles y Etta James, plantea una pregunta que podría caer en la grandilocuencia; Bluhm la aborda desde una voz templada, con el soul sureño como guía y sin buscar una competición retrospectiva con intérpretes canónicas.
La instrumentación conserva el bolsillo rítmico de Memphis y deja que la melodía avance por inflexiones pequeñas. Conviene atender a la forma en que Bluhm baja la intensidad al final de algunas frases: la fortaleza de la letra no se traduce en volumen permanente, sino en control. El lanzamiento coincidió con la fecha en que Crutcher habría cumplido ochenta y siete años, de modo que la versión funciona también como gesto de memoria autoral, recordatorio de que detrás de los grandes sellos hubo escritoras cuya firma no siempre recibió la misma visibilidad que las voces. En el recorrido semanal, el tema aporta soul-blues y una idea complementaria al archivo Lomax: preservar es también volver a nombrar a quien escribió.
6. Bonny B & Ice B — “I’m a Mojo Man”
El suizo-camboyano Bonny B y el guitarrista Ice B publicaron “I’m a Mojo Man” el 18 de septiembre. El título remite de manera directa a Lonesome Sundown y al vocabulario del swamp blues de Excello, pero la pareja no trata ese pasado como pieza de museo. Armónica y guitarra se reparten las respuestas sobre un ritmo ligero, de club, y la producción mantiene suficiente aspereza para que el tema no se vuelva una postal retro.
La armónica de Bonny B lleva el argumento melódico: alterna notas largas con ataques percusivos que empujan a la guitarra a contestar en lugar de ocupar todo el espectro. Esa conversación hace que una estructura reconocible conserve movimiento. También amplía la geografía de la semana. El blues europeo aparece aquí no como imitación anglófona, sino como comunidad de práctica capaz de absorber repertorios de Louisiana y devolverlos desde Suiza con otra combinación biográfica. La canción no reinventa el mojo ni pretende hacerlo; su mérito está en ejecutar el lenguaje con nervio, modestia y sentido del baile. Colocada tras el soul de Nicki Bluhm, cambia el aire de la lista y devuelve el foco al pequeño conjunto eléctrico.
7. Mike Zito — “Judgement Day” (Live, Bonn 2024)
La versión de “Judgement Day” incluida en Live at Rockpalast 2024 recupera a Mike Zito en Bonn con una banda que entiende el directo como extensión, no como copia del estudio. El riff central mantiene la gravedad del blues rock moderno y abre un espacio para que la guitarra atraviese cambios de dinámica sin romper la continuidad. En concierto, Zito tiende a empujar cada frase hasta el borde; aquí la sección rítmica evita que esa intensidad se disperse.
El corte contiene ecos de hard rock, pero la construcción del solo sigue una lógica blues: repetición de motivos, respuesta vocal y modificación del timbre antes que sucesión de escalas. La publicación de 2026 permite revisar una actuación de 2024 con la distancia suficiente para apreciar su forma. Dentro de la playlist funciona como pico de voltaje después del swamp compacto de Bonny B. También demuestra que el documento en vivo continúa siendo una herramienta crítica: expone cuánto depende una canción del sonido de estudio y cuánto puede sobrevivir cuando la banda tiene que negociar el tiempo delante del público. “Judgement Day” sobrevive porque su esqueleto rítmico es sólido.
8. Clint & The Cosmic Wake — “Don’t Cry Baby”
“Don’t Cry Baby” entró en la selección de oyentes de la semana y presenta a Clint & The Cosmic Wake desde Texas. La pieza se toma tiempo —más de cinco minutos— para desarrollar un blues eléctrico de respiración amplia. En lugar de llenar cada compás, la banda deja que la voz coloque el lamento y que la guitarra responda con frases de borde áspero. El tempo medio ofrece suficiente aire para escuchar el peso del bajo y la batería.
Lo interesante es la ausencia de prisa. El grupo podría acelerar hacia el blues rock, pero prefiere sostener la tensión con pequeñas variaciones, una decisión que acerca el corte al lenguaje de club tejano. La producción conserva un sonido directo y evita convertir la tristeza del título en balada sentimental. Como descubrimiento semanal, no llega respaldado por una gran campaña ni por un sello dominante; aparece a través de circulación comunitaria y de un vídeo acreditado en directo. Esa escala importa: una publicación internacional del blues debe atender tanto a los nombres consolidados como a bandas que todavía construyen audiencia actuación a actuación. Aquí la recompensa es una canción que confía en el tiempo.
9. Jamiah Rogers — “Chicago Cowboy”
Jamiah Rogers hace de “Chicago Cowboy” una tarjeta de identidad y, al mismo tiempo, una discusión con las etiquetas. El audio distribuido por Delmark presenta una guitarra de ataque limpio, una base con acento funk y una voz que reivindica Chicago sin imitar los códigos de otra generación. El título une ciudad y figura fronteriza: tradición urbana y autonomía. Esa tensión organiza el tema mejor que cualquier declaración promocional.
Rogers toca con precisión, pero no convierte la pieza en escaparate. Los riffs se integran en el ritmo y los breves estallidos solistas responden a la narración. Como avance digital de un proyecto cuyo lanzamiento físico se sitúa al final de septiembre, la canción pertenece al ciclo actual aunque su circulación comenzara antes de esta semana. Aquí actúa como puente entre el piano de Anthony Geraci y las formas más jóvenes de la escena de Chicago: el lugar continúa siendo reconocible, pero cambian el pulso, la imagen y las alianzas estilísticas. “Chicago Cowboy” también corrige una falsa oposición entre respeto y novedad. Rogers no necesita rechazar la historia del sello para sonar contemporáneo; le basta con tratarla como plataforma y no como uniforme.
10. Stephen Wilson Jr. — “Cørnerman”
“Cørnerman” se mueve más cerca de la Americana y el country alternativo que del blues formal, por lo que ocupa una de las dos plazas de frontera de esta playlist. Stephen Wilson Jr., antiguo boxeador amateur, utiliza la figura del hombre de la esquina como apoyo moral y como memoria del padre. La producción combina guitarra acústica, percusión grave y una voz rota que acerca la canción a la tradición del lamento sin imitar su vocabulario.
La relación con el blues está en la función: transformar duelo y resistencia en una estructura repetible que pueda sostener a otros. Wilson canta con una tensión física, como si cada estrofa midiera la distancia entre permanecer en pie y volver al rincón. El corte volvió a circular con fuerza durante la semana y el canal oficial del artista lo mantiene en primer plano. Su presencia amplía el campo sin fingir que toda música de raíces es blues. Esa distinción es importante. “Cørnerman” dialoga con el género desde fuera, mediante la economía narrativa, el peso del timbre y una concepción comunitaria de la supervivencia. Después del impulso urbano de Jamiah Rogers, introduce una pausa rural y emocional antes del cierre de la lista.
11. Preacher Stone — “Not Today”
“Not Today” no es un estreno de 2026: apareció una década antes y regresa como comodín de catálogo gracias a la selección semanal de oyentes. Preacher Stone trabaja en el cruce de southern rock, country y blues rock, con guitarras gemelas, una voz rugosa y un estribillo de resistencia inmediata. La canción posee el empuje de carretera que su título promete, aunque lo más eficaz es la forma en que el riff se mantiene legible incluso cuando aumenta la densidad.
Incluirla exige no disfrazar su fecha ni su posición genérica. Está aquí como ejemplo de recirculación: las playlists contemporáneas no solo lanzan novedades, también crean segundas vidas para grabaciones que una comunidad vuelve a señalar. Escuchada después de Stephen Wilson Jr., muestra otra salida de Carolina del Norte hacia la música sureña, menos introspectiva y más colectiva. El blues aparece en los acentos, la respuesta de guitarras y el modo de convertir una negativa en energía compartida; el resto pertenece abiertamente al rock. Es uno de los dos comodines de la lista y cumple una función concreta: recordar que la actualidad musical también se compone de canciones antiguas que encuentran oyentes nuevos.
12. B.B. King — “Early in the Morning” (Montreux, 2000)
Escucha y vídeo acreditados del adelanto
“Early in the Morning”, registrado por B.B. King en Montreux en 2000, fue el primer adelanto de B.B. King: The Montreux Years, recopilación anunciada el 17 de septiembre para noviembre. La interpretación sitúa a Lucille en diálogo con una banda de gran formato y muestra una virtud que a veces se pierde al resumir a King en su vibrato: la administración del espacio. Una frase basta para orientar al conjunto; el silencio siguiente completa la idea.
El corte cierra la playlist porque conecta casi todos sus ejes. Es archivo convertido en lanzamiento actual, documento de festival, lección de fraseo y recordatorio de la circulación internacional del blues. También ofrece una medida útil frente a los guitarristas de la semana: la intensidad no depende de cuántas notas caben en un compás, sino de la autoridad con que cada una modifica el tiempo. La futura colección recorre nueve apariciones de King en Montreux entre 1982 y 2000, con material mayoritariamente inédito. Este adelanto no pide reverencia automática; invita a escuchar la precisión con que un maestro transforma una forma conocida en conversación presente. Terminar aquí devuelve toda la lista a su principio: transmisión, no nostalgia.
8. Menciones breves
Roy Buchanan vuelve a Japón
BGO publicó el 18 de septiembre una edición remasterizada de Live in Japan. La reedición devuelve atención a un guitarrista cuya dinámica y control del volumen siguen siendo referencia, aunque no desplaza a los cuatro lanzamientos principales por tratarse de recuperación de catálogo.
Sin In Memoriam esta semana
La investigación del periodo no verificó un fallecimiento relevante para el ámbito blues entre el 14 y el 20 de septiembre de 2026. El bloque se omite para no forzar una sección con pérdidas ajenas al marco temporal o al género.
9. Fuentes realmente consultadas
• The Blues Magazine — calendario de lanzamientos 2026. Consulta: 21-09-2026.
• The Blues Magazine — Blues Caravan 2026 Live y Ruf Records — anuncio oficial. Consulta: 21-09-2026.
• The Blues Magazine — Anthony Geraci, Where Were You. Consulta: 21-09-2026.
• The Blues Magazine — Warren Haynes, Dreams & Songs y sitio oficial de Warren Haynes. Consulta: 21-09-2026.
• The Blues Magazine — Jovin Webb, Son of a Sinner. Consulta: 21-09-2026.
• Blues Rock Review — Eric Johanson; Sari Schorr; Sue Foley; Alex Kilroy. Consulta: 21-09-2026.
• The Blues Magazine — GUITARMANIA 2027 y web oficial de Krissy Matthews. Consulta: 21-09-2026.
• Qobuz — comunicado sobre American Patchwork y The Blues Magazine — análisis del archivo. Consulta: 21-09-2026.
• The Blues Magazine — lanzamiento del International Blues Top 20. Consulta: 21-09-2026.
• Blues Rock Review — anuncio de B.B. King: The Montreux Years. Consulta: 21-09-2026.
• The Blues Magazine — Weekly Blues Playlist, semana 38, más los doce recursos oficiales enlazados en cada entrada. Consulta: 21-09-2026
Lectura NovoRiff
La semana no opuso tradición y futuro. Los mejores discos, archivos y directos mostraron que una tradición permanece viva cuando cambia de manos sin perder memoria: del porche de R.L. Burnside a una sala europea, del piano de Chicago a una voz de Louisiana, de Montreux a una playlist global. El blues continúa porque todavía sabe escuchar antes de responder.
Investigación, contexto y escucha crítica
